Atonalidade e Abstracção: Discografia

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Variações Goldberg: Aria (BWV 988).
Glenn Gould (piano), gravado em 1955 nos estúdios da editora Columbia.
Obra tonal.

Arnold Schoenberg (1874-1951)
Concerto para Piano, op. 42 (1942): 2º andamento.
Rafael Kubelik dir. a Orquestra Filarmónica da Rádio da Baviera. Alfred Brendel (piano).
Obra plenamente serialista (dodecafónica), método atonal já definido nas Peças para Piano, op. 23, de 1923.

Richard Wagner (1813-1883)
Tristan und Isolde (1857-59): acto 1, abertura.
Rafael Kubelik dir. a Orquestra Filarmónica de Berlim.
Uma tonalidade alargada, complexa, afastando-se da harmonia tonal tradicional, usando acordes dissonantes e adiando resoluções tonais.

Bernard Herrmann (1911-1975)
Vertigo: Scène d'Amour (1958)
Muir Mathieson dir. The MGM Studio Orchestra
Wagnerianismo e simulacro.

Claude Debussy (1862-1918)
La Flûte de Pan (Syrinx) (1913)
Philippe Bernold (flauta), Irène Jacob (recitante).
A ultrapassagem da tonalidade pelo modalismo antigo. Primitivismo.

Igor Stravinsky (1882-1971)
Le Sacre du Printemps (1913, vs. 1947).
Pierre Boulez dir. a Orquestra de Cleveland.
Modalismo, "folclore" eslavo, politonalidade. Primitivismo.

Anton Webern (1883-1945)
Seis Bagatelas para Quarteto de Cordas (1911-13), op. 9: primeira bagatela,
Juilliard String Quartet, gravado em Nova Iorque, 1970.
Entre as primeiras 13 notas, 12 são diferentes, num anúncio precoce do método dodecafónico. A importância do silêncio. A brevidade.
No prefácio para a edição da op. 9, escreve Schoenberg: "Estas peças (...) só serão compreendidas por aqueles que acreditam que pelo som só se pode exprimir aquilo que só pelo som se pode dizer" (citado nas notas da edição discográfica  Webern - Das Gesamtwerk - Opp 1-31, Sony S3K 45845, p. 24, p. 66). Uma espécie de música pura, como puros serão a pintura de Malevitch ou o cinema de Dziga Vertov. Origem e finalidade no medium. E uma questão de uma arte em especial: já Duchamp, o Marcel, trocará a espécie pelo género, a interrogação da pintura pela interrogação da arte em geral.

Anton Webern (1883-1945)
Cinco Peças para Orquestra, op. 10 (1913).
Pierre Boulez dir. a Orquestra Sinfónica de Londres, gravado em Londres, 1969.
O início da primeira peça é um exemplo classico da klangfarbenmelodie, ou seja, da divisão de uma melodia por uma pluralidade de instrumentos e, portanto, por timbres diferentes.

Anton Webern (1883-1945)
Sinfonia, op. 21 (1928)
Pierre Boulez dir. a Orquestra Sinfónica de Londres, gravado em Londres, 1969.
Obra plenamente dodecafónica.

Pierre Boulez (1925-2016)
Structures Pour Deux Pianos - Premier Livre (1952).
Alphons Kontarsky, Alois Kontarsky.
Serialismo integral, ou seja, a não repetição não se aplica apenas à altura do som, mas também a outros parâmetros (duração, intensidade, ataque).

Olivier Messiaen (1908-1992)
Anatol Ugorsky (piano).
Catalogue d'Oiseaux (1956-58): Calhandrilha Comum.
Representa uma exploração da atonalidade alternativa ao serialismo.
De alguma maneira, a utilização do canto dos pássaros na obra de Messiaen transforma o som nas doze notas da tradição ocidental - traduz, transubstancia. Desterritorializa, e é, para utilizar outro conceito deleuziano, um devenir animal.
O católico Messiaen, organista da igreja da Sainte-Trinité, talvez lide assim com aquilo que aparece como arbitrariedade e a procure reconduzir à natureza, obra do Criador.
Numa entrevista radiofónica de 1958, diz Messiaen: "Foi num espírito de desconfiança, uma vez que pertenço à espécie humana, que tomei o canto dos pássaros como modelo (...). Apesar da minha profunda admiração pelo folclore do mundo, não acredito que se possa encontrar em nenhuma música humana, por mais inspirada, melodias e ritmos que possuam a soberana liberdade do canto dos pássaros" (cit. nas notas da edição discográfica Olivier Messiaen, Catalogue d'Oiseaux - La Fauvette des Jardins, Deutsche Grammophon 439 214-2, p.7).

Igor Stravinsky (1882-1971), Le sacre du printemps, Berlin, Edition Russe de Musique, 1921. Penn Libraries, Leopold Stokowski Collection of Scores, Ms. Coll. 350, Box 197. Partitura anotada pelo maestro Leopold Stokowski (1882-1977) 

Música no Ar.Co, Segunda-Feira, 15 de Abril, a partir das 21 horas, no Salão da Rua de Santiago, nº 18, em Lisboa. Chamo, uma vez mais, a atenção para a importância desta aula, onde nos familiarizaremos com os conceitos básicos da teoria musical.

O último "post" sobre o assunto (2012) poderá servir de entrada para o conjunto de informações sobre música neste "blog". Particularmente importante, será o PDF "Abstracção e Dodecafonismo", no Google Documents.

Question : Que pense Nietzsche par rapport à Wagner?

Gilles Deleuze: (...) Qu’est-ce que dit Nietzsche contre Wagner? Il dit que c’est de la musique aquatique, que ce n’est pas dansant du tout, que tout ça n’est pas de la musique mais de la morale, il dit que c’est plein de personnages: Lohengrin, Parsifal, et que ces personnages sont insupportables. Qu’est-ce qu’il veut dire presque implicitement? Il y a une certaine manière de concevoir le plan où vous trouverez toujours des formes en train de se développer, aussi riche que soit ce développement, et des sujets en train de se former. Si je reviens à la musique, je dis que Wagner renouvelle complètement le domaine des formes musicales, si renouvelé qu’il soit, il reste un certain thème du développement de la forme. Boulez a été un des premiers à souligner la prolifération de la forme, c’est par là qu’il fait honneur à Wagner, un mode de développement continu de la forme, ce qui est nouveau par rapport à avant, mais si nouveau que soit le mode de développement, il en reste un développement de la forme sonore. D[é]s lors, il y a nécessairement le corrélat, à savoir: le corrélat du développement de la forme sonore, c’est la formation du sujet. Lohengrin, Parsifal, les personnages wagnériens, c’est les personnages de l’apprentissage, c’est le fameux thème allemand de la formation. Il y a encore quelque chose de goethéen dans Wagner. Le plan d’organisation est défini par les deux coordonnées de développement de la forme sonore et de formation du sujet musical.

Cette disparition d’un apprentissage ou d’une éducation au profit d’un étalement des heccéités. Je crois que Nietzsche fait ça dans ses écritures. Quand il dit que la musique de Bizet c’est bien mieux que Wagner, il veut dire que dans la musique de Bizet, il y a quelque chose qui pointe et qui sera bien mieux réussi par Ravel ensuite, et ce quelque chose, c’est la libération des vitesses et des lenteurs musicales, c’est-à-dire ce qu’on appelait à la suite de Boulez la découverte d’un temps non pulsé, par opposition au temps pulsé du développement de la forme et de la formation du sujet. Un temps flottant, une ligne flottante.

(...)

Claire Parnet: On peut supposer que les devenirs les plus déterritorialisés sont toujours opérés par la voix. Berio.

Gilles Deleuze: Le cas Berio est très étonnant. Ça reviendrait à dire que le virtuose disparaît lorsque Richard invoque l’évolution machinique de la musique, et que, dès lors, le problème du devenir musical est beaucoup plus un problème de devenir moléculaire. On voit très bien que, au niveau de la musique électronique, ou de la musique de synthétiseur, le personnage du virtuose est, d’une certaine manière, dépossédé; ça n’empêche pas que dans une musique aussi moderne, celle de Berio, qui utilise tous ces procédés, il y a maintien des virtuoses et maintien d’une virtuosité vocale.

Richard Pinhas: Ça m’apparaît sous la forme d’une persistance d’un code, un code archaïque; ça rentre comme un élément dans la composition innovatrice de Berio. Il fait subir quand même un drôle de traitement à cette voix.

Gilles Deleuze: Je te donnerais raison parce que Berio insère toutes sortes de ritournelles. (...) La ritournelle c’est la territorialisation sonore par opposition à la musique en tant que musique qui est le processus, le procès de déterritorialisation. Or, de même qu’il y a des devenirs femme, des devenirs enfant, des devenirs animaux, il y a des devenirs peuples: c’est l’importance, dans la musique, de tous les thèmes folkloriques.

Gilles Deleuze (1925-1995), Cours Vincennes: sur la musique - 08/03/1977 (com tradução castelhana)